Alexander McQueen: genio teatrale e provocatorio

Ultima modifica 28/07/2025

L’universo della moda è stato occasionalmente scosso da figure la cui visione trascende il semplice abito, elevandosi a forma d’arte. Alexander McQueen è emerso da questo contesto come un drammaturgo, le cui sfilate erano atti teatrali complessi, spesso inquietanti, ma indimenticabili. Tra gli stilisti famosi che forse più mi porto nel cuore e che mi emoziona tanto, ecco la sua storia.

Chi era Alexander McQueen?

Alexander McQueen ha rivoluzionato l’estetica provocatoria nell’universo del fashion portando la moda ben oltre la semplice creazione di abiti, trasformandola in una forma di arte performativa e un potente mezzo di espressione sociale e culturale. Le sue collezioni non erano solo vestiti, ma veri e propri spettacoli teatrali con tematiche complesse e spesso controverse che sfidavano le norme sociali e i canoni estetici tradizionali. Ha introdotto elementi di forte contrasto, unendo bellezza e orrore, romanticismo gotico e tecnologia all’avanguardia, delicatezza e brutalità. Ha sperimentato con materiali insoliti come piume, corna, vetro, parti di animali tassidermizzati, usando silhouette drammatiche e tagli innovativi suscitando scandalo e ridefinendo i confini della moda. Raccontava storie complesse e personali, fondendo storia, letteratura e folklore in narrazioni visive potenti. Ha trasformato la moda in un teatro dell’assurdo, una forma d’arte che non solo veste ma provoca, fa riflettere, disorienta e coinvolge emotivamente.

Alexander McQueen: formazione ed estetica

Nato e cresciuto nell’East London, ha intrapreso un percorso formativo che ha gettato le basi per la sua estetica decostruttiva e ribelle. Fin da piccolo si interessò agli abiti ed essendo il più giovane di sei figli, iniziò a sperimentare con la moda realizzando abiti per le sue tre sorelle. La sua rigorosa formazione sartoriale a Savile Row, prima presso Anderson & Sheppard e poi da Gieves & Hawkes, gli ha conferito una padronanza tecnica di precisione quasi chirurgica. Il passaggio poi alla Central Saint Martins, dove ha conseguito il master, è stato il momento in cui il suo talento è davvero sbocciato, incontrando il rigore accademico e permettendogli di affinare la sua voce unica. Fu qui che la sua visione singolare fu immediatamente riconosciuta e sostenuta da figure chiave come Isabella Blow, che ne divenne una fervente sostenitrice.

Le prime collezioni di Alexander McQueen, in particolare la celebre Jack the Ripper Stalks His Victims, creata come project di laurea alla Central Saint Martins, rappresentano una rottura radicale rispetto ai canoni stilistici dell’epoca. Fin da subito, McQueen dimostrò di non volersi rifugiare in una moda rassicurante o decorativa. Le sue creazioni, pervase da un’estetica inquietante ed emotivamente intensa, introducevano elementi narrativi e concettuali raramente sperimentati sulle passerelle. I suoi iconici bumster trousers (i pantaloni a vita bassa) che abbassavano drasticamente il punto vita dei pantaloni, possono essere considerati un simbolo del suo design provocatorio ma tecnicamente preciso, sfidando, in un certo senso, anche le stesse proporzioni del corpo.

Fin dagli esordi, il lavoro di McQueen ha generato un’immediata e spesso veemente reazione, alimentando controversie che lo hanno distinto nel panorama della moda. Ogni collezione era una dichiarazione, un’immersione in temi che pochi osavano toccare, espressi con una forza viscerale che lasciava il pubblico turbato e affascinato.

La propensione che aveva alla teatralità e alla provocazione non era solo una scelta stilistica, ma piuttosto un’espressione molto personale, quasi una catarsi visibile delle sue lotte interiori.

La nascita dell’etichetta Alexander McQueen e le sue collezioni più belle

Nel 1992, Alexander McQueen diede vita alla sua etichetta. Il giovane stilista all’epoca non aveva ancora una stabilità economica, percepiva infatti i sussidi di disoccupazione, un sostentamento che gli permetteva di avere un’entrata fissa, e visse per un periodo nel seminterrato della casa di Isabella Blow a Belgravia. L’anno successivo, nel 1993, McQueen si trasferì a Hoxton Square, un quartiere di Londra allora in fermento creativo, scelto da altri designer emergenti come Hussein Chalayan e Pauric Sweeney, suggellando così la sua appartenenza a una nuova generazione di visionari pronti a riscrivere le regole del fashion system.

La sua prima collezione dopo la laurea, Taxi Driver (Autunno/Inverno 1993), si ispirava esplicitamente all’omonimo film cult di Martin Scorsese del 1976, un’opera che incarna l’alienazione, la solitudine, la violenza e la corruzione morale di una città degradata, e che ha come protagonista un uomo tormentato che cerca di trovare un significato nella sua vita e nella società che lo circonda.

La presentazione della collezione avvenne durante la London Fashion Week, in una stanza angusta al Ritz Hotel, dove gli abiti vennero esposti appesi a un semplice appendiabiti. Ed è proprio con la collezione Taxi Driver che abbiamo la presentazione del celebre bumster trousers, pantaloni a vita estremamente bassa che avrebbero poi caratterizzato molte sue collezioni successive.

Nel 1993, Alexander McQueen debuttò con la collezione Nihilism (Primavera/Estate 1994), presentata al Bluebird Garage di Chelsea, un luogo non convenzionale che rispecchiava perfettamente l’anima ribelle e trasgressiva della sua estetica emergente. Quella prima sfilata gli valse l’etichetta di enfant terrible e di hooligan della moda. I modelli, che sfilavano con abiti trasparenti, ammaccati o insanguinati, insieme a pantaloni dal taglio scollato, provocarono reazioni forti e polarizzanti, richiamando alla mente un teatro della crudeltà, e uno spettacolo dell’orrore, come lo definì la giornalista Marion Hume dell’Independent. Questa prima passerella incarnò il suo interesse a sovvertire le aspettative, dove la bellezza veniva contaminata da elementi di violenza e degrado estetico, costringendo il pubblico a confrontarsi con l’inquietudine sottesa alle immagini.

La sua seconda sfilata, la collezione Banshee, consolidò il suo pensiero, preludendo l’intenso sodalizio creativo con Katy England, che sarebbe diventata la sua collaboratrice più stretta. McQueen la invitò a dirigere creativamente la sua successiva collezione The Birds. Presentata a King’s Cross, la collezione si ispirava al celebre film di Alfred Hitchcock del 1963 e giocava con il simbolismo animale e la violenza urbana. Anche qui, onnipresenti i suoi bumster trousers che divennero rapidamente un’icona di stile, soprattutto dopo che Madonna li sfoggiò in uno spot MTV nel 1994.

Il caso della collezione Highland Rape

Nel 1995, la collezione Highland Rape (Autunno/Inverno), segnò una svolta decisiva nella sua carriera. La collezione si ispirava alla storia scozzese, in particolare alle cruente Highland Clearances del XVIII e XIX secolo, durante le quali molte comunità furono brutalmente sfrattate e la loro terra sottratta con violenza. Alexander McQueen usò questo episodio storico come metafora visiva per denunciare la brutalità e la sottrazione culturale e identitaria subita dalla Scozia da parte dell’Inghilterra, opponendosi alle rappresentazioni romantiche ed edulcorate diffuse da altri stilisti prima di lui.

La sfilata rifletteva questa aggressività nel suo stile visivo: abiti volutamente lacerati, sfrangiati, sporchi di candeggina o macchiati di sangue finto, con modelli che sembravano vittime di una violenza cruda e spietata. L’uso di tessuti scozzesi tradizionali come il tartan, rovinati e deformati, amplificava il senso di rottura e devastazione. Questa estetica cruda scatenò immediate reazioni critiche, con accuse di misoginia e di glorificazione della violenza sulle donne, letture che lo stilista rifiutò fermamente. Egli affermò che il soggetto non era la violenza sulle donne in senso letterale, bensì una metafora dell’oppressione storica della Scozia, e anzi, rivendicò la sua intenzione di dare potere alle donne, desiderando che le persone avessero paura delle donne che vestiva.

La collezione si distinse come un manifesto contro l’appropriazione culturale e il revisionismo storico che, sotto l’apparenza di un fascino tradizionale e pittoresco, nascondevano violenze e ingiustizie dimenticate o ignorate.

Seguirono poi le collezioni The Hunger e Dante nel 1996, che espressero ulteriormente la sua capacità di coniugare un’abilità tecnica magistrale a un linguaggio visivo potente e inquietante. In Dante, Alexander McQueen ha esplorato temi di morte, religione e macabro, spingendo i confini di ciò che era accettabile su una passerella di moda. Durante questo periodo, McQueen iniziò anche collaborazioni con grandi nomi della musica come David Bowie e Björk.

La parentesi Givenchy

Nel 1996, Alexander McQueen venne nominato capo stilista di Givenchy, succedendo a John Galliano, la cui partenza verso Dior aveva lasciato un vuoto che sembrava impossibile da colmare. Questa nomina fu accolta con scetticismo e opposizione soprattutto da Hubert de Givenchy, il fondatore della maison, che definì la scelta di McQueen un disastro totale.

La sua sfilata di debutto per Givenchy (Primavera/Estate 1997) si discostò nettamente dall’immaginario raffinato della maison, proponendo design ispirati alla mitologia greca, caratterizzati da un uso audace di oro e bianco. Questa collezione, però, non fu accolta con entusiasmo dalla critica o dal pubblico. Molti la considerarono un fallimento, specialmente in confronto alla prima collezione di Galliano per Dior. McQueen stesso, in un’intervista a Vogue nell’ottobre 1997, definì la sua collezione da Givenchy come schifezza, rivelando il suo evidente disagio e la frustrazione nel dover temperare la propria visione creativa.

Sebbene McQueen abbia attenuato alcune delle sue linee più sperimentali durante il periodo a Givenchy, la sua vena ribelle e provocatoria non fu mai assopita. All’interno della maison, mantenne viva l’audacia che lo contraddistingueva, portando innovazioni e spettacoli memorabili, come il celebre show del 1999 con la modella Shalom Harlow su un palco rotante e spruzzata di vernice da robot.

Il rapporto con Givenchy però si rivelò sempre più conflittuale. McQueen sentiva che la maison limitava la sua creatività. Dopo cinque anni di collaborazione, terminò il suo contratto e lasciò la casa di moda nel marzo 2001, deciso a perseguire liberamente la propria visione artistica.

Le sfilate di Alexander McQueen: tra arte e performance

Dopo poche settimane il suo debutto a Givenchy, Alexander McQueen rispose con una sfilata intitolata It’s a Jungle Out There, un’esibizione che incarnava non solo un riflesso della natura selvaggia ma anche una dichiarazione di sopravvivenza personale e professionale.

Le modelle erano truccate per assomigliare a gazzelle, indossavano abiti ornati da corna, simboli di difesa e aggressività. La collezione segnò un trionfo netto che ribaltò le sorti del suo rapporto con la critica.

Ancora più drammatica fu la sfilata Joan, ispirata a Giovanna d’Arco, culminata con l’immagine iconica di una modella mascherata che si ergeva dentro un cerchio di fuoco.

Nel settembre del 1998, Alexander McQueen presentò la sua tredicesima collezione, Primavera/Estate 1999 n. 13 che si ispirava al movimento Arts and Crafts, e in particolare all’estetica e alla filosofia di William Morris, icona di quella corrente che celebrava l’artigianato e della resistenza alla massificazione industriale. McQueen incorporò in alcuni abiti ricami che riecheggiavano i delicati motivi floreali e naturalistici tipici di Morris, puntando a un recupero della tradizione artigianale. A livello simbolico, la collezione si articolava in un dialogo teso tra passato e presente, tra manualità e macchina, tra naturale e artificiale. Il finale sconvolse e affascinò il pubblico: la modella Aimee Mullins calcava la passerella con protesi impeccabilmente intagliate a mano in frassino, un chiaro omaggio all’abilità artigianale e un potente segno di inclusività e trasformazione del corpo umano attraverso l’arte. Subito dopo, Shalom Harlow indossava un abito bianco che veniva progressivamente dipinto da due bracci robotici con spruzzi di giallo e nero, evocando un rovesciamento della poetica anti-industriale del movimento Arts and Crafts.

Questa dicotomia al centro della sfilata rifletteva la capacità di McQueen di orchestrare contrasti estremi, facendo della passerella uno spazio teatrale di narrazione visiva dalle molteplici letture simboliche.

Con la collezione The Overlook si ispirò all’atmosfera ossessiva del film Shining di Stanley Kubrick, evocando suggestioni di isolamento, gelo e inquietudine. Il bianco e il grigio dominavano una passerella resa ancor più magica da una scenografia che simulava un paesaggio invernale con pattinatori sul ghiaccio. In questo contesto, si inserisce una delle creazioni più rivoluzionarie e tecnicamente sofisticate di McQueen, il corsetto a spirale realizzato con anelli di alluminio, ideato in collaborazione con il gioielliere Shaun Leane.

Nel 1999, lo stilista visionario fece il suo esordio a New York con la collezione Eye (Primavera/Estate 2000), un lavoro che esplorava il delicato e controverso rapporto tra l’Occidente e l’Islam. Le modelle indossavano reinterpretazioni sessualizzate di abiti tradizionali islamici, una scelta che scatenò forti polemiche e ricevette recensioni negative.

La sfilata Voss (Primavera/Estate 2001), ispirata alla città norvegese Voss e al suo ambiente naturale, prevedeva abiti realizzati con materiali insoliti come piume di struzzo, cannolicchi e gusci di cozze, perfetti per evocare la natura in tutte le sue forme. Al centro dello show fu collocata un’enorme scatola di vetro scuro all’interno di una più grande. Dentro, un nugolo di falene si agitava intorno a una modella nuda sdraiata su una chaise longue, il volto celato da una maschera antigas. I temi qui erano la vulnerabilità, la malattia, il confinamento e lo straniamento. La modella scelta fu la scrittrice Michelle Olley.

Un elemento scenografico molto forte fu anche la disposizione di pareti di vetro che, prima dello spettacolo, agivano come specchi invertendo l’attenzione del pubblico e costringendolo a confrontarsi con il proprio riflesso per un tempo prolungato nella penombra.

Alexander McQueen e Gucci

Nel 2000, ancora prima della conclusione del suo contratto con Givenchy, Alexander McQueen compì una mossa strategica firmando un accordo con Gucci, il rivale storico di Givenchy ai tempi. Ciò, in un certo senso, obbligò Givenchy a mettere fine anticipatamente al suo rapporto con McQueen.

Gucci acquisì infatti il 51% della società di McQueen, consentendogli però di mantenere il ruolo di direttore creativo con piena autonomia. Grazie a questo accordo, la maison Alexander McQueen si trasformò da realtà di nicchia a colosso internazionale. Furono inaugurate boutique nelle principali capitali della moda, accompagnate da una diversificazione dei prodotti che incluse profumi, occhiali, accessori, sneakers e una linea maschile, lanciata ufficialmente nel 2004.

La collaborazione con Gucci si tradusse in un equilibrio tra sperimentazione e necessità di operare in un contesto di lusso dove la creatività doveva incontrare anche il successo commerciale.

Nel 2007, Alexander McQueen dedicò la sua collezione Primavera/Estate 2008, intitolata La Dame Bleue, a Isabella Blow, la sua musa, mentore e amatissima amica, scomparsa tragicamente per suicidio all’inizio di quell’anno. Il fil rouge tematico fu quello degli uccelli, un riferimento ricorrente all’amore condiviso per l’ornitologia e ai legami metaforici tra volo, trasformazione e libertà, tutti concetti a lei cari.

Plato’s Atlantis: l’ultima grande sfilata di Alexander McQueen

L’ultima apparizione di Alexander McQueen in passerella, è con la collezione Plato’s Atlantis presentata il 6 ottobre 2009 durante la settimana della moda di Parigi. Questa collezione incarna una fusione tra arte, tecnologia e un profondo impegno concettuale con tematiche attuali come l’evoluzione umana e la crisi ambientale.

Plato’s Atlantis si ispira al mito dell’isola perduta di Atlantide raccontato da Platone, simbolo di una civiltà scomparsa a causa delle catastrofi naturali, ma si trasforma in una riflessione visionaria e apocalittica sull’adattamento post-umano necessario per la sopravvivenza dell’umanità a causa del riscaldamento globale. Qui troviamo figure che richiamano esseri alieni e rettiliani. McQueen immagina un futuro in cui l’essere umano deve evolversi, passando dalla vita terrestre a quella acquatica, un tema che non solo richiama la teoria darwiniana dell’evoluzione, ma si innesta nel dibattito contemporaneo sui cambiamenti climatici e la crisi ecologica.

Il luogo della sfilata, un’arena al Palais Omnisports di Parigi, divenne teatro di una performance immersiva. Il pubblico fu accompagnato da due grandi telecamere installate sulla passerella, che riprendevano l’intero spettacolo in tempo reale e lo trasmettevano in streaming su SHOWstudio.

Plato’s Atlantis fu infatti la prima sfilata di moda trasmessa live su internet.

Un elemento iconico della collezione fu la rivisitazione delle celeberrime scarpe armadillo di McQueen, che trasformavano il piede umano in una sorta di creatura marina aliena, con tacchi vertiginosi e forme organiche. La stessa Lady Gaga ha indossato diversi pezzi della collezione nel video Bad Romance, inclusi gli stivali Armadillo

Alla morte di McQueen, avvenuta nel febbraio 2010, la collezione autunno/inverno successiva era in fase avanzata con 16 capi non ancora terminati. Questo lavoro, mostrato postumo in una serie di presentazioni ristrette con il titolo non ufficiale di Angeli e Demoni, rivelava una nuova ossessione del designer per il tema dell’aldilà, con un’estetica dominata da riferimenti medievali e religiosi, e colori tipici come rosso, oro e argento.

Dopo la scomparsa di McQueen, il lavorò passo nelle mani di Sarah Burton, sua assistente di lunga data, nominata direttore creativo e incaricata di mantenere viva l’eredità della maison, presentando la sua prima collezione femminile ufficiale a Parigi nel settembre 2010.

Alexander McQueen: impossibile da dimenticare

Alexander McQueen nutriva un profondo fascino per la mortalità, il grottesco e la bellezza inaspettata che si trova nella decadenza. Portò in passerella l’inevitabile fragilità dell’esistenza umana, trasformando elementi di morte, sofferenza e disfacimento in metafore visive potenti e disturbanti, capaci di scuotere il pubblico nella sua zona di comfort.

La sua straordinaria abilità tecnica e sartoriale non riguardava solo la produzione di capi ben fatti, ma era il prerequisito essenziale per le sue visioni più radicali e concettuali. Senza la capacità di costruire con precisione forme complesse e mai viste prima sulla passerella, le sue idee sarebbero rimaste concetti teorici o tentativi mal realizzati.

Quello che emerge dalla sua storia è che la vera rottura richiede una profonda comprensione e padronanza dei principi fondamentali di un’arte o disciplina, che consente poi di andare oltre i limiti convenzionali. Per Alexander McQueen, il rigore tecnico era il motore stesso della sua liberazione creativa, permettendogli di tradurre l’astratto e il provocatorio in forme tangibili e di impatto.

E tu conoscevi la storia di Alexander McQueen?

Mariagrazia Repola – redattrice Glamcasamagazine